Wie sind Sie auf die Idee zu Kein Wort gekommen, gab es eine persönliche Motivation?
Kein Wort entstand aus einem Moment der Beobachtung in meiner Berliner Nachbarschaft. Wir wohnten gegenüber einer Schule, an der Ecke gab es einen kleinen Laden, vor dem Zeitungsständer standen, auf denen die schrecklichsten Dinge fett gedruckt waren, auf Augenhöhe eines Sechsjährigen, der gerade zu lesen begann. Einmal gab es einen Fall, in dem ein Schulmädchen ermordet wurde. Die meisten Kinder schenkten den Schlagzeilen keine Beachtung, aber einige taten es und waren schockiert. Haben sie es geschafft, einen Weg zu finden, darüber zu sprechen? Oder lautete die Botschaft der Erwachsenen, so zu tun, als sei es nie passiert, und einfach mit ihrem Leben weiterzumachen? Was für Narben hat dies bei ihnen hinterlassen?
In meiner Arbeit komme ich immer wieder auf die Frage nach den Folgen von Gewalt zurück. Nicht die Gewalttat an sich, sondern die Folgen, die sie für diejenigen haben kann, die nicht einmal direkt betroffen sind, die vielleicht weit entfernt sind, aber dennoch unter den Auswirkungen leiden. Wann immer Gewalt in unsere Welt einbricht, hinterlässt sie einen Abdruck, eine Wunde, eine Narbe. Daraus entsteht das Bedürfnis zu reden, zu heilen. Aber wo kann ein Heilungsprozess beginnen?
Was können Sie uns über den Prozess der Drehbuchentwicklung erzählen?
Um die Geschichte von Protagonisten zu erzählen, die im Stillen von einem Trauma heimgesucht werden, das aus dem gewaltsamen Tod eines Kindes resultiert, beschloss ich, Mahlers Fünfte Symphonie in eine Erzählung zu verwandeln. Der Tod von Kindern war ein wiederkehrendes Ereignis in Mahlers Leben, da er sechs seiner Geschwister im Säuglingsalter sterben sah und eines seiner eigenen Kinder verlor. Er hat sich in seinem Werk immer wieder damit auseinandergesetzt. Meine Idee war es, seine künstlerische Weisheit zu nutzen und seiner musikalischen Erzählung durch die emotionale Dunkelheit, die Verzweiflung, hin zur Liebe und zum Licht zu folgen. Die Fünfte Symphonie beginnt mit einem steifen und pompösen Trauermarsch. Die Steifheit löst sich auf, die Musik durchläuft Wut, Neurose, Verzweiflung, Hingabe... bis hin zur Bejahung des Lebens im Rondo Finale, dem vielleicht freudigsten und befreiendsten Stück in Mahlers Musik. Das ist meine Lesart der Symphonie; es gibt natürlich viele andere. Ich würde die musikalische Erzählung analysieren und erzählerische Elemente identifizieren, um die Filmgeschichte zu konstruieren. Die Geschichte folgt der Erzählung der Musik, aber sie bezieht sich auf unterschiedliche Weise auf die Musik, je nach emotionaler Ladung des Moments und dem Geisteszustand der Protagonisten.
Erzählen Sie uns, wie Sie für den Film gecastet haben.
Ich habe mit Ulrike Müller gearbeitet, einer sehr erfahrenen und talentierten deutschen Casting-Direktorin. Ulrike hat eine große Intuition, wenn es darum geht, durch die Augen des Regisseurs zu sehen. Wir waren beide Fans von Maren Eggerts Arbeit in Film und Theater. Maren ist eine außergewöhnliche Schauspielerin. Sie hat die seltene Fähigkeit, sich in viele sehr unterschiedliche Persönlichkeiten zu verwandeln, und dennoch behält sie etwas Unantastbares, ein Geheimnis, das sie mitbringt und ihren Figuren verleiht. Sie kann süß oder furchtbar sein, tragisch, schön, erschreckend und auch wirklich lustig. Ich liebe die Ambivalenz und den Humor, den sie in sich trägt. Um ihr Gegenstück, das Kind
für die Rolle des Lars, zu finden, haben wir mehrere Casting-Runden durchlaufen. Das erste, was mir an Jona Levin Nicolai auffiel, war seine Stimme. Er ist sehr geschmeidig und sensibel in seinem Spiel. Es war einfach und hat Spaß gemacht, mit ihm zu arbeiten, trotz der Schwierigkeit der Rolle.
Was war das visuelle Konzept für den Film?
Claire Mathon, die Kamerafrau von Kein Wort, ist als unglaublich talentierte Künstlerin bekannt. Claire ist eine äußerst hilfsbereite und aufgeschlossene Partnerin. Wir sprachen viel über Farben, Rhythmus und Bewegung, wir diskutierten über die Filme, die wir lieben, die Gemälde, die wir bewundern, und wir hörten Musik. Unser Ziel war es, einen Kontrast zu schaffen zwischen dem kontrollierten, organisierten Raum der Stadt, aus der Nina und Lars kommen, und der unkontrollierbaren, rohen Kraft der Natur Wind, Meer, Licht auf der Winterinsel, auf die sie reisen. Dies entspricht der emotionalen Erzählung der Geschichte, der Veränderung, die die Protagonisten durchmachen das Loslassen der Kontrolle, die Hingabe an die Kraft des Lebens.
Nina ist eine erfolgreiche Musikerin. Könnte sie auch eine hochrangige Politikerin, eine Geschäftsführerin oder eine Richterin gewesen sein?
Es war wichtig, dass Nina ein erfolgreicher Profi in einer Machtposition ist, der aus einem monologischen Beruf kommt, in unserer monologischen Gesellschaft, in der es keinen Dialog gibt. Und es war wichtig, dass sie alleinerziehend ist, was sie wiederum in eine unheimliche Machtposition bringt, in die Position einer Person, die berechtigt ist, Entscheidungen für andere zu treffen. Die Wahl von Ninas Beruf lag wegen des Themas der Geschichte auf der Hand die Fähigkeit (oder Unfähigkeit) zu hören, zu zuhören sich wirklich auf einen Dialog einzulassen. Ich wollte auch vermitteln, wie sich eine bestimmte Entwicklung, ein Lernprozess, den wir in unseren intimen Beziehungen durchlaufen, auf unsere Entwicklung als Fachleute auswirkt, ganz gleich, welchen Beruf wir ausüben. Es war interessant, die Schwierigkeiten, die Nina als Elternteil hat, mit den Schwierigkeiten zu verbinden, die sie als Musikerin hat, und so eine gewisse Intimität und Komplexität auch in ihrer Beziehung zur Musik zu schaffen.
Sie ist auch eine alleinerziehende Mutter. Würden Sie sich eine andere oder mehr Unterstützung für Alleinerziehende in ihrer Situation wünschen?
Ich war in meinem Leben eine Zeit lang alleinerziehend, und einige der Menschen, die ich am meisten bewundere, sind Alleinerziehende. Es gibt definitiv nicht genug Verständnis für die unglaubliche Weisheit, Entschlossenheit und Energie, die diese Menschen in die Gesellschaft einbringen. Es sind die Eltern, die als erste ihre Stimme erheben, wenn sie eine Ungerechtigkeit bemerken, eine Reform, die in der Schule oder in der Gesellschaft umgesetzt werden muss... Sie wissen um die wahre Bedeutung von Solidarität und Teilen. Wenn es uns endlich gelänge, ein förderlicheres Umfeld für Alleinerziehende und ihre Kinder zu schaffen die zumindest in Deutschland immer noch mit einer systematischen Diskriminierung konfrontiert sind, wenn es um ihre Grundrechte geht wäre das nicht nur notwendig, sondern wir würden alle davon profitieren.
Das Leben eines Künstlers kann manchmal sehr anstrengend sein. Wie verträgt sich das Ihrer Meinung nach mit der Kindererziehung?
In der Öffentlichkeit gibt es ein bestimmtes Narrativ, das ich seit Jahren beobachte dass es unmöglich ist, Elternschaft und eine erfolgreiche Karriere unter einen Hut zu bringen, vor allem im Bereich der Kunst. Ich wollte einen anderen Gedanken entwickeln dass es in der Tat unmöglich sein könnte, ein erfolgreicher Profi zu sein, insbesondere im Bereich der Kunst, ohne intime, bedeutsame Bindungen erlebt zu haben, sei es durch Elternschaft oder eine andere Betreuungsbeziehung. Es sind die Höhen und Tiefen, die Dramen, Tragödien und Freuden dieser langfristigen Beziehungen, die eine Inspiration und Quelle der Weisheit und des Wachstums sind. Mahlers Musik, wie wir sie kennen, würde ohne das Leben, das er mit seiner Familie führte, nicht existieren. Ich wollte eine Geschichte über eine Figur schreiben, die, wenn es ihr gelingt, ihre Probleme als Elternteil zu lösen, die Chance haben könnte, auch eine bessere Künstlerin zu werden. Ich selbst stamme aus einer Künstlerfamilie meine Eltern waren beide Filmemacher -, ich habe also beide Seiten gesehen, ich war ein
Kind von Künstlern, und ich bin eine Künstlerin, die auch ein Elternteil ist. Und meine Erfahrung ist, dass es keine klare Grenze gibt. Es ist alles Leben, das ineinander fließt, das wächst und sich durch das andere entwickelt. Manchmal lernen wir von unserer Arbeit, wie wir Probleme lösen können, die wir als Eltern haben. Manchmal lernen wir von der Elternschaft, wie wir bei der Arbeit besser sein können.
Welche Rolle spielt die Ladenbesitzerin auf der Insel? Erkennt Nina in ihr etwas, wonach sie sich sehnt?
Auf der Insel treffen unsere Protagonisten auf eine andere Familie. Die Unterschiede zwischen den beiden Familien machen die blinden Flecken in der Beziehung zwischen Nina und Lars deutlich und entlarven sie als Stadtmenschen, die an das Leben auf der Insel nicht gewöhnt sind. Das junge Mädchen Guen ist etwa so alt wie Lars und wie die ermordete Schülerin. Zunächst wirkt sie zerbrechlich und verletzlich; wir befürchten, dass Lars eine Bedrohung für sie sein könnte. Doch es ist die Leichtigkeit, mit der Guen ihre Gefühle und Gedanken zum Ausdruck bringt, die in Lars einen längst überfälligen Prozess der Selbsterkenntnis auslöst, der die Dinge zwischen ihm und Nina gefährlich in Bewegung bringt.
Was können Sie uns über die Rolle der Natur im Film erzählen: Den Wind, das Meer und den großen Sturm?
Die Natur hat eine starke Stimme in Mahlers Musik, der unvorhersehbare, wechselnde Charakter des Wetters in den Alpen spiegelt sich in der Lebendigkeit seiner Musiksprache wider. Im Film wollten wir der Natur auf der Insel eine eigene Stimme geben. Im Winter sind die Wetterbedingungen an der Atlantikküste unbeständig, was bei Filmaufnahmen ein Alptraum sein kann. Aber eigentlich wollten wir die Umstände nicht kontrollieren, sondern den unberechenbaren, unkontrollierbaren Charakter der Natur zeigen. Wir waren bereit, uns anzupassen und zu improvisieren, flexibel in unserem Denken und leicht genug in unserer Ausrüstung, um der Natur folgen zu können. Dieses Konzept war ein riskantes Abenteuer und erforderte viel Vertrauen von unserem Produzenten, Michel Balagué. Aber wir sind erfahrene Filmemacher, und wir hatten eine sehr erfahrene und motivierte Crew, eine echte „Outdoor-Crew“ (viele unserer Crewmitglieder haben früher an schwierigen Sets in den Alpen gearbeitet). Unser Drehplan richtete sich nach den Gezeiten, den Mondphasen, den Strömungen und dem Wind sowie nach der Weisheit der örtlichen Fischer. Wir standen vor Herausforderungen wie der ständigen Bewegung des Meeres, dem Wind und den Wetterbedingungen. Es gibt zum Beispiel eine Szene kurz nach dem Sturm,
ein schmerzhafter Moment in der Geschichte. Wir hatten uns das Wetter düster, dunkel und windig vorgestellt. Aber am Tag der Dreharbeiten hatten wir plötzlich blauen Himmel, keinen Wind und Sonnenschein. Wir hatten etwa 20 Minuten Zeit, um das Konzept zu ändern. Wir beschlossen, dass es das brennende Licht der Wintersonne ist, das in der Szene schmerzt. Wir änderten das Konzept des Blitzes, den Bildausschnitt, passten die Schauspielerei an und waren bereit zu drehen. Bei einer anderen Gelegenheit herrschte plötzlich dichter Nebel an unserem Drehort oben auf den Klippen. Wir passten den Bildausschnitt und den Rhythmus an, um die Schönheit der nebligen Landschaft in die Erzählung dieser speziellen Szene zu integrieren. Wir mussten sehr schnell denken und unsere Gedanken in die Tat umsetzen. Aber die schönsten Momente und bewegendsten Szenen im Film sind so entstanden.
Hat sich der Sturm tatsächlich ereignet und wie haben Sie die Drehtage geplant?
Wir planten die zwei Tage, an denen wir den Sturm filmen wollten, akribisch, indem wir den Diagrammen der Wetterstationen, den Ratschlägen von Experten und örtlichen Fischern folgten. Es sollten zwei Tage mit den größten Wellen, dem stärksten Wind und der höchsten Flut werden. Aber die Realität sah anders aus. Die höchste Flut war da, wir konnten den Wind erzeugen, aber das Meer war seltsam ruhig, als ob es den Atem anhalten würde. Wir haben es noch nie so ruhig gesehen. Es war wunderschön. Es lag etwas Unheimliches in der Luft. Also haben wir das Konzept des Sturms geändert, um diese unheimliche Atmosphäre in die Geschichte einfließen zu lassen. Mit der Unterstützung unserer CGI-Crew, der klugen Arbeit der Cutterin Bettina Böhler und der Komponistin Amélie Legrand konnten wir eine der schönsten und intensivsten Szenen des Films kreieren.
Neben Mahler gibt es in dem Film auch Originalmusik. Wie haben Sie mit der Komponistin zusammengearbeitet?
Die Fünfte Sinfonie taucht fünfmal im Film auf einmal für jeden Satz, während die Geschichte durch ihre eigenen Erzählbewegungen fortschreitet. Was wir zusätzlich schaffen wollten, war das Gefühl, dass die Symphonie auch dann weiterläuft, wenn wir sie nicht hören, dass sie immer da ist und im Hintergrund von Ninas Gedanken spielt, dass die Musik die Geschichte tatsächlich beeinflusst und verändert. Amélie identifizierte einzelne musikalische Ideen aus jedem Satz und rekonstruierte sie zu einfachen, wiederkehrenden Gedanken, Echos, Erinnerungen. Es war wie eine Regression, eine Suche nach den ersten Klängen, Liedern, Stimmen, die später in der Symphonie zusammenliefen
Auch die Geräuschkulisse des Films scheint eine wichtige Rolle zu spielen.
Der musikalische Gedanke entsteht aus unseren Begegnungen mit der Natur. Die Idee war, die Musik im Film mit der Stimme der Natur zu verbinden, die Musik mit den Geräuschen der Insel zu verbinden: Wind, Meer, Vögel. Kein Wort ist ein Film, in dem es darum geht, wieder zu lernen, zuzuhören, der Musik, den Menschen, aber auch der Natur. Von Anfang an waren wir sehr gewissenhaft, was das Sounddesign des Films angeht. Am Set haben wir mit einer wunderbaren slowenischen Tonmeisterin Grega Švabič, gearbeitet, die sehr erfahren mit extremen Wetterbedingungen ist. Und wir hatten das bestmögliche deutsche Postproduktionsteam: den legendären Re-Recording-Mischer Martin Steier und die Sounddesigner Noemi Hampel und Gabor Ripli. Es war die Sensibilität dieser erstaunlichen Profis, die es uns ermöglichte, eine magische, vielschichtige Klanglandschaft zu schaffen. Das Publikum kann sich auf jeden Fall auf etwas gefasst machen.
